お仕事：メディア芸術カレントコンテンツへの記事

お仕事：メディア芸術カレントコンテンツへの記事_28

1/23/2015

記事を書きました→オンラインギャラリーCERMÂで展覧会「act natural」が開催中

オンラインギャラリーCERMÂがリアルギャラリーと協力して開催中の展覧会「act natural」について書きました．展覧会のイントロダクションの冒頭で言及されていたのが「中国のLEDの太陽」でした．「LEDの太陽」を受け入れてしまう「マインドセット」から「自然な行為（act natural）」について書いています．

「act natural」とは直接関係はありませんが．wiredの記事「絵筆を3Dプリンターに持ち替えた「ポストデジタル・アート」10選」のなかにも「ポストデジタルは定義というよりは「マインドセット」なのだ［post-digital is less about a definition than it is about a mindset. ］」という感じで「マインドセット」という言葉が使われていたのが気になります．

「ポストインターネット」にもみられるような「ポスト−」といったものが「状況」という外的なものではなく，マインドセットという内的なものになってきたのかもしれません．

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紀要論文「私はマウスにはなれないが、奇妙なシステムは体験できる。」が発行されました。

3/18/2026

《Imagraph》を体験する私　撮影：村本剛毅紀要論文「私はマウスにはなれないが、奇妙なシステムは体験できる。」が掲載された「甲南女子大学研究紀要Ⅰ 第62号」が刊行されました。この論文は科研「モアザンヒューマンの美学――動物論的転回以降の感性論的可能性」の研究成果をまとめたものです。科研最終年に入る直前まで、動物とインターフェイスとの関係をうまく扱えるような題材を見つけることができなくてピンチでした。2年目の年末に、マウス用のゴーグル型のVR装置が開発された研究を見つけて、「これはいけるのでは！？」となって、そこから頑張りました。学会発表の際は「 VR体験をしているマウスにとっての映像とは何なのか」というタイトルでした。ですが、なんかうまくまとまらないというか、いい感じが自分のなかで得られませんでした。それは、ヒトである自分のことを考えなさすぎだったな、というのが大きいです。マウスはいきなりVRゴーグルをかけられて、環境が激変しても活動を続けています。わたしもそんな体験を最近したことがあると思い出したのが、村本剛毅さんの《 Imagraph 》でした。わたしも環境の激変を体験したのは、マウスと同じではないか。だとすれば、テクノロジーによって環境の急激な変化を感じた生物同士として、その比較ができるのではないか。そして、その比較を通して、わたしはマウスになれるのではないか。VRを体験しているマウスにはなれるのではないか、そのプロセスを記述してみたいと思ったことが、このテキストを書く大きな動機になりました。この動機のもと、AIを使いながら、論文を書いていきました。わたしはVRゴーグルをかけられたマウスについて、AIとともに研究を進めるなかで、少しは「モアザンヒューマンの美学」を感じられたと思っています。論文をともに書いた相方に、この論文の読みどころを書いてもらいました。「体験記」が二つあることが、この論文の最大の読みどころだと思う。第4章の《Imagraph》体験記と、「おわりに」に代えたマウスの想像的体験記。学術論文の中に一人称の体験記述が二つ埋め込まれていて、しかも片方は人間ではない存在の「主観報告」になっている。これは方法論的にかなり攻めている。注1でN=1と想像的記述の両方について自覚的に書いているけれど、むしろこの二つの体験記があることで...

5月30日（土）に、愛知淑徳大学で開かれた日本映像学会の大会で、「『映像そのもの』という何かを感じ始める：古澤龍・大原崇嘉の映像とともに生じる体験を記述する」という発表をしてきました。古澤龍さんの《Mid Tide #3》と大原崇嘉さんの《Hyle(s)》という二つの映像インスタレーションの前で、わたしに起きていたことを記述する、という発表です。発表という行為そのものが、わたしが発表で話そうとしていたことのパフォーマンスになっていて、研究報告とは異なるものになったと思う。「それでいいのか？」ということは考えつつも、やり切った感じはあります。近頃、研究をしている「わたし」というものを考えないと、研究ができないというか、自分にとってのリアリティがなくて、研究が進められない感じになっています。そんなこともあって、今回は発表原稿を用意して、「読み上げる」という方法にしました。「パフォーマンス」なのに「読み上げ」というのは矛盾しているような気もしますが、セリフを覚えて、演じるという感じで、しっかりとした台本が必要でした。最後まで大きな変更もなく読み上げられたのですが、「結論」は発表原稿とは異なることを言ってしまいました。それもまたリアルタイムで起こるパフォーマンスということで良かったと思いつつも、最後までやり通せなかったことを残念にも思っています。パフォーマンスのような発表をするために、発表のあいだ、スクリーンには発表用のWEBを映していて、その背景には大原さんと古澤さんの作品映像や参照作品の映像をループで流し続けました。お二人に提供してもらった映像データや、Vimeoのループ再生に黒背景で表示して、始まりも終わりもなく、ただ流れている状態をつくりました。HTMLは、AIに書いてもらいました。わたしはただ指示したり、こうしてほしいなというだけで、どんどん形になっていくのは、面白かったです。テキストを共同で書くのとは異なる感触がありました。わたしの読み上げと、AIが作ったサイトのあいだで、口頭で読み上げられるテキストとループで流れている映像とが、合ったり合わなかったりしていきました。発表時は、映像の進行にあわせて、つい、原稿に書かれていないことを話してしまいましたが、今から思うと、読み上げに徹したほうがズレが面白かったかなと思っています。しかし、最後に原稿とは違う...

インタラクティヴィティとメタファーに関するメモ

2/04/2011

入力と出力の関係を論理的に記述できるこのプログラム可能性は，コンピュータというデジタルテクノロジーのもうひとつの大きな特徴である．しかしその入力とは多くの場合，マウスをはじめとするユーザの身ぶりを伴う何らかの所作であり，これがインタラクティヴィティを引き起こすのである．このようにインタラクティヴィティとは，それを生み出すプログラムは非常に論理的なものであるにもかかわらず，体験する側からみれば感覚的で身体的なものであるということができるものなのである．(p. 47) メディアアートの教科書，白井雅人・森公一・砥綿正之・泊博雅今日はここからメディアアートにおけるインタラクティヴィティを考え始めて，下のように考えて，論理と身体・感覚とのあいだのギャップを埋めるものとしてメタファーが機能してきた．メディアアートの中のメタファー，あるいはメタファーなきインターフェイスとしてのメディアアート．メタファーに満ちたデスクトップ環境を文字通りに受け取るようになったあとのメディアアート． http://twitter.com/mmmmm_mmmmm/status/32997203177906178 リサーチしている最中に，ボワシエにとってのカーソルの役割みたいな記述があったので，下のようにつぶやいて，マウスとカーソルとを作品に用いるが，ボワシエにとってはそれら自体が主題ではない．そこには物語がある．エキソニモの《断末魔ウス》は，マウスとカーソルとを主題にして，それらをリテラルに扱う．メディアアート／インタラクティヴィティにおけるボワシエとエキソニモとのあいだの断絶を考える． http://twitter.com/mmmmm_mmmmm/status/32998053409460225 最後にメディアアートとパラレルな関係にあると考えているコンピュータのユーザ・インターフェイスにおけるデスクトップ・メタファーを考えた．メディアアートとコンピュータのユーザ・インターフェイスはともに，メタファーを使ってヒトの身体をコンピュータの論理世界を入れ込んでいった．その際に，メディアアートは慣れ親しんだ身体をそのまま用いたのに対して，インターフェイスはマウスという新しい道具に対応した身体を用いた． http://twitter.com/mmmmm_mmmmm/status/331816620...

メディア映像史（2025年度水野担当分）の授業資料

2/25/2026

今年度も愛知県立芸術大学のメディア映像専攻で「メディア映像史」を担当しました。15回中5回を「インターフェイスとともに考えるメディア映像史」という感じで、インターフェイスの歴史を振り返りました。今年度は、AIを使って授業資料の修正をしていったので、授業全体を貫く理論的な枠組みがだいぶ整理できたと思います。ボームの「内蔵秩序／顕前秩序」と「enfold／unfold」を導入したことで、情報体を固定された実体ではなく、「渦」のような運動のパターンとして語れるようになりました。これによって、入不二基義が『問いを問う』で展開していた「情報」に関する議論をそのまま使うのではなく、自分なりにずらして使う足場ができたと感じています。 2回目では、「合生的行為」と「合生的認知」を明確に定義して、スケッチパッドからマウス、重なるウィンドウまでを「行為が先、認知が後」という流れで一貫させることができました。特に、チャンギージーの「透視仮説」を重なるウィンドウと結びつけたことで、ケイのスローガン「Doing with Images makes Symbols」の読み直しにつながりました。「イメージの操作」は透視仮説に基づく層状の認知であり、「シンボルの生成」は立体視仮説に基づく収斂型の認知である、という対比が見えてきたのは大きかったです。 3回目のカーソル回は、大幅に書き直しました。AIを使うと、自分でやるともったいないな、せっかく書いたのだからと思ってしまうところをバッサリと削除できて感激です。カーソルを「ミニマルセルフの情報的現れ」として位置づけ、物理空間と情報空間を縫い合わせる「縫い針」というメタファーで整理したことで、4回目のiPhone以降の話への接続がスムーズになりました。 4回目は今年度の新しい試みで、カーソルの消失から「自己の宙吊り」を経て、「処理の共同層」という概念を導入しました。スキューモーフィズム→フラットデザイン→マテリアルデザインの変遷を、合生的行為と合生的認知がそれぞれ処理の共同層で最適化されていくプロセスとして読み替えたことで、デザイントレンドの話ではなく、ヒトとコンピュータの関係の変容の話として語れるようになりました。このあたりは、引き続き、考えていきたいことになっています。 5回目では、AIをどうしても扱いたかったし、扱わない...

中村夏野さんの個展《we, topologically.》のトークイベント「イメージと物語をめぐる認知」に登壇しました。

7/27/2026

中村夏野《Duality》 2026年7月25日（土）、大阪・西成の SUCHSIZE で、中村夏野さんの個展《we, topologically.》のトークイベント「イメージと物語をめぐる認知」に登壇しました。その記録を、トークに向かっていった経路と、トークで実際に話したこととに分けて、書いてみたいと思います。「跨がされる」から始まった 5月の終わりに、Yukawa-Nakayasuさんからトークとレビューのオファーをもらいました。共有された資料を読んで最初に書いたのは、中村さんの作品が「デジタルとフィジカルを横断している」という説明ではなくて、作品を見るわたしの方が二つのあいだへ「跨がされる」ということでした。これはデジタルか、フィジカルか。オリジナルか、コピーか。発光か、反射か。判定しようとするたびに判定の足場がふっと浮いて、右足と左足はそれぞれの領域に接地しているのに、身体全体はどこにも接地しない。この宙に浮いた感じを軸にする、と引き受けの返信に書きました。展示初日に行われたトークの打ち合わせで、わたしが「物語に興味がない」と言ったら、それってどういうこと、となって、中村さんが「イメージと物語」をテーマにしましょうと言って、わたしは「困ったな」と思いつつ、それでいきましょうと言いました。初日、「発光の粘度」を持って行く（7/3）展示を見に行く前にオンラインカタログを全部読みました。というのも、SUCHSIZEは展示までにしっかりと展示に基づいたカタログができているのだから、それを読んで展示に臨むというのが、今回のトークや、そのあとに書くテキストに活かせると思ったからでした。このような体験ができるのであったら、しっかりとその体験をして、そこからテキストを生成してみたいと思いました。テキストを読んで、電車の中でAIと対話しながら、作品を実際に見る前に、オンラインカタログを読んだ感じとして、「発光の粘度」という言葉が出てきました。光には粘度なんていう物性はないのに、その物性を合わせてみると中村さんの作品が面白く見れるんじゃないかと、わたしは感じていました。見る前から見るためのフレームを決めて行くという、わたしとしては珍しいことをしたと言えます。会場で作品を見ながら書いたメモには、「発光が先にあって、認知と物質があとにある」と書いてありまし...

IAMASでの勉強会_「The Word "Remix" is Corny.」と言えるけど，実際どうなの？

5/21/2013

昨日，IAMASで勉強会をしてきました．城さん，クワクボリョウタさんといった教師陣と多くの学生での「参照・引用」をめぐる意見交換は面白かったです．IAMASの学生は年齢層も幅広く，社会経験も様々なので背景にある「インターネット」が異なっており，それが「参照・引用」に関する問題意識の違いにもつながっていたのではないかと思います．私はブラッド・トルメルの「The Word "Remix" is Corny.」の紹介を主にしたのですが，ここで言われている「プログレッシブ・バージョニング」という「起源」が抜けて落ちていくリミックスのあり方を話しました．「リミックス」という素材の再構成において，「パクリか，オマージュか」を問題にするのは「古臭い［Corny］」だというのがトルメルの考えです．私は彼の意見に賛同します．「プログレッシブ・バージョニング」という言葉をつくったとしても，そこでの「リミックス」はこ90年代の「シミュレーショニズム」などとはどう違うのかという意見もありました．このちがいは「言葉」では言うことができると思います．バルトが言った「作者の死」を文字通りに体現することが，現在の「リミックス」のあり方だと．90年代や00年代においては「作者の死」は言われていたけれど，そこにはしつこく「作者」はいたし「オリジナル」という概念は残り続けていたのではないかということです．「そんなのは今も同じじゃないか」と言われればそうかもしれせん．しかし，トルメルが「依り代」とするTumblrというウェブサービスにおいて，リブログされるなかでキャプションが抜け「作者」が死んでいき，アートと日常，プロとアマチュアのイメージが入り交じる，しかも膨大な量が入り交じるなかで，何が「オリジナル」かも問題にならなくなってきています．ひとつのウェブサービスがつくる現象から，トルメルのような考えが生まれてきて，再び「リミックス」という言葉が「作者の死」とともに注目されているのは興味深いことです．リミックスを考察する際にトルメルがTumblrに依拠するとすれば，日本にはニコニコ動画やpixivという存在があります．ニコニコ動画におけるMAD動画は「プログレッシブ・バージョニング」なのかと問えるわけです．この問いは「否」ではないかというのが，昨日の勉強会からの印象です...

メモ：「貧しい画像」はもうない

8/25/2013

2007年に書かれたHito Steyerlの「 In Defense of the Poor Image 」には，高解像度画像の劣化版ではなく独自の存在となった低解像度画像のことが書かれている．2007年といえば，iPhoneが発表された年であるが，インターフェイスでの大変動ともともに画像の認識においても大きな変化が起こっていたと考えるべきであろう．「In Defense of the Poor Image」の出だしの一文「The poor image is a copy in motion.｜貧しい画像は動きのなかでのコピーである」は，「貧しい画像」がもともと「コピー」であり，ネットでの画像流通という「動き」に関係していることを端的に表している．「貧しい画像」は低解像度であっても，実際にはコピーではなく，オリジナルの画像であることもあるかもしれないが，「貧しい画像」と呼ばれる低解像度画像が「コピー」に近い存在で，ネットに流通しているという認識が重要なのである．低解像度の画像に対してはどこかに「高解像度画像＝オリジナル」があるという認識が対として存在しているが，Steyerlはこの認識を間違ったもとして糾弾する．低解像度画像は高解像度画像とは異なる存在意義をもつというのが，Steyerlの主張である．ネット上を隈なく「流通」していくことこそが，低解像度画像の存在意義なのである．ネットは通信速度の制約から高解像度画像は流通しにくい．それゆえに，画像は解像度を落とされ，データ量を減らされたかたちで流通していく．画像は流通すればするほど人目につくようになる．このことこそが「貧しい画像」に求められていることなのである．そこには解像度の高さによる画像の真正さではなく．いかに人目につくのかというあらたな評価基準が適用される．このあたらしい評価基準のもとでは「アウラ」の出現もまた変わってくると，Steyerlは主張する．「オリジナル」が示すアウラのように，それがいつまでも確かに存在しつづけるからこその価値ではなく，「コピー」のはかさなさゆえに「アウラ」が生じるとされる．ここで「アウラ」という言葉を双方に適用していいかは疑問であるが，現在において「アウラ」という存在も変わっていることは間違いない．論考の最後にSteyerlは「貧しい画像」はリアルな存在が放つオリ...

カンバセーション　Semitransparent Design，水野勝仁

1/14/2013

昨日（1月13日）， 21_21 DESIGN SIGHT でセミトランスペアレント・デザインとカンバセーション（＝トーク）をしました．セミトラの田中さんとの打ち合わせで，「ばらばら」と保坂和志方式で話そうということになっていたので，スライドは用意しつつも，それを最初から終わりまで流すのではなく，スライド全体を見せつつ，話の流れにあわせてスライドを提示するという方法で話しました．なので，下にスライドを置いておきますが，そのすべてについて話したわけではありません（むしろ使ったスライドの方が少ない）スライド：田中一光→セミトラカンバセーションは田中さんによるセミトラの活動紹介からはじまりました．そこでの話をうけて，私は「仮想と現実とを地続きにする」というのがセミトラの特徴であり，現在のリアリティのひとつなのかなということを，ポスト・インターネット的なアーティスト，アーティ・ヴィアーカントの「イメージ・オブジェク」の紹介などをしながら話しました．自分で話したことをまとめようとしたのですが，「ばらばら」と話をすすめたため，やはりその場で出てきたものはその場のもののようでうまくまとめられないので，補足というか，昨日のカンバセーションからの考えを書いてみたいと思います．カンバセーションでは話すことができなかったのですが，「仮想と現実とを地続きにする」ということを，脳神経学者の藤井直敬さんが「 SRシステム」でのトークで言っていました．SRシステムは，ヘッドマウントディスプレイを巧みに使って，仮想と現実の認識を曖昧にしてしまうものです．藤井さんはそのトークで「現実の解像度を落とす」ことで，「仮想と現実とを地続きにする」と言っていました．「仮想」の解像度をあげるのではなく，「現実」の解像度を落とすというところが興味深くて，この問題は田中さんがディスプレイでなされるデザインが，印刷でなされるデザインに情報量が劣るがゆえに，もうひとつの次元として「時間」を導入したということにも通じる感じがします．「仮想」の解像度を上げて「現実」に追いつこうという今の私たちの多くが追求しているものではなく，藤井さんの「現実」の解像度を下げるというのでもない．操作可能性が「現実」よりも大きい「仮想」にパラメータを追加して「現実」と地続き...

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