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12月15-17日に開催された「 HELLO, YCAM! 」では多くのトークを聞いた．そこから感じたのは，YCAMがハックできる施設であり，ハックできる人たちがいるということだった．どこでも使おうと思える建物の空間を実際に使ってみたり，多くの異なる領域を拠点とする集団がそれぞれの集団をハックしてみたりと，施設と組織自体を中の人たちが改変していく．アーティストという何もないところから始める人とともに作業をしてきたYCAMのスタッフは，0から考えることに慣れているとR&Dディレクターの伊藤隆之さんが言っていたように，YCAMは0から1にする行為を行い続けている．しかし，よく考えてみると0ではない．そこにはすでにアーティストがいて，建物があり，組織がある．けれど，YCAMはそれを既定のものとせずに，常に改変できないかと様子を伺っている．専門委員の城一裕さんを中心にして，展示施設としてだけでなく研究施設へと整備されていく様子は，国の制度をハックして，YCAM自体が改変されているように見える．HELLO, YCAM!のトークセッションは，YCAMが自らを改変していくプロセスが話されていたと思う． Sports Hackathon & Yamaguchi Future Sports Day from YCAM on Vimeo . エデュケーターの菅沼聖さんがエキソニモをゲストに迎えた「教育」をテーマとしたトークで「書き込み可能性」と言っていた．この言葉を聞いたとき，YCAMのスタッフは「書き込み可能性」を自ら拡張していると私は考えた．公共施設という縛りがきつそうで書き込みの余白がほとんどなさそうなYCAMで，なぜ「書き込み可能性」自体を拡げることができるのであろうか，ということを大学という組織に属している私はトークを聞きながら考えていた．このテキストを書いている時点ででた一つの答えは，彼らはテクノロジーをうまく使っている，ということだった．YCAMはテクノロジー万能主義ではないけれど，テクノロジーを使うことで「これまで違うことができる」ということをポジティブに考えている．「それは単にあたらしいテクノロジーを使っただけではないのか」という問いがあったとしても，それは単に「問い」でしかない．YCAMの施設，スタッフはテクノロジーを作品...

28日は7時過ぎに自宅を出発し，新大阪を経由して品川に行き，そこか天王洲の倉庫街にあるギャラリー山本現代まで歩いて，「Malformed Objects − 無数の異なる身体のためのブリコラージュ」という展示を見た．「Malformed Objects」は，現代思想やインターネットの感覚を多様に取り込んだ考察や展覧会企画を行う上妻世海によってキュレーションされた展示である．ギャラリーに入ると，台の上に紙が置いてある．それは通常の作品解説ではなく，鑑賞者への指示書になっている．指示書の最初には，先程降りたエレベーターにもう一度乗るようにと書かれていた．私は面倒なので，その指示は無視した．指示は必ずしも従う必要はないと指示書に書かれていた．しかし，指示書に従わない場合は，「観察者」として扱われる．指示書に従った場合は「制作者」として扱われる．この指示書は，作品と鑑賞者の相互作用を「制作」と考えようとする上妻の考えを反映したものである． 指示書は特別なことが書いてあるわけではく，作品を見る順番とその見方が簡潔に書かれている．私は普段，解説を読みながら作品を見ないので，テキストを読みながら作品を見るという行為自体が煩わしくも，新鮮であった．けれど，一番の驚きは，指示書に従って最後まで見たあとに，指示書に「以降電子機器を開くことが出来る」と書かれていたことである．電子機器についての記述はそれまでひとつもなかったので，私はiPhoneで写真を撮りまくっていたのである．電子機器の使用までは指示されていないだろうと勝手に思っていたのである．鑑賞のはじめに，ギャラリーのスタッフに「写真とってもいいですか？」と聞き，「いいですよ」と返事をもらっていたので，まさか電子機器についての指示があるとは思わなかったのである．それほど，電子機器は私という身体から離すことができないもので，許可されているならばiPhoneで写真を撮るというのは「見る」という鑑賞行為の一部になっていたことに，上妻の指示から気づいたのである． 池田剛介《Translated Painting》シリーズ 永田康祐《Function Composition》 作品で興味深かったのは，池田剛介の《Translated Painting》シリーズと，永田康祐の《Function Composition》...

9月5日．定刻より遅れて11時に関西国際空港を出発したKLMオランダ航空868便でアムステルダム・スキポール空港に行き，KLM1833便に乗り換え，同日18時にベルリン・ゲーデル空港に到着した．その後，バスと電車で，今回の宿泊先であるManuel Roßnerの家に向かった． 9月6日．今回の出張の主目的である「ベルリンビエンナーレ」の会場がすべてクローズだったため，午前中はManuel Roßnerがオーナーを務めるオンラインギャラリーの英語テキストを日本語に翻訳する作業を行った．午後からハンブルク駅現代美術館に行き，5つの展示を見た．その中で，ベルリン在住の Julian Rosefeldtによる「Manifesto」という作品 が印象に残った．この作品は，13のスクリーンを使った映像インスタレーションで，プロローグとなるひとつのスクリーンを除いた12のスクリーンには，同一の女優が演じた学校の先生，振付師，ニュースキャスターなどの12の職業の女性が日常業務を行っている様子が映されている．最初は単なるドキュメンタリーぽい映像だと思っていたのだが，いきなり12のスクリーンの映像すべてで女性が同時に叫びだす．それは「未来派宣言」などの美術運動の「マニフェスト」となっている．複数の映像を用いた作品は多くあるけれど，この作品のように効果的に複数のスクリーンを使っているものは少ないので，とても強く印象に残っている． 9月7, 8日は ベルリンビエンナーレ の4会場を回った．ニューヨークのアートコレクティブDISがキュレーションした今回のビエンナーレは否定的な意見が多い．それは「ポストインターネット」というインターネット以後の価値観でまとめられるような「空虚さ」を，DISのキュレーションとその作品群が示しているからであろう．メイン会場であるAkademie der Kunsteには，どこからか音楽が流れ，入り口にはファッションブランドの展示が行われているような感じになっている．アートというよりは，ショッピングモールのような感じである．「ポストインターネット」というアートの流れを追ってきた私自身も，ビエンナーレの4会場をめぐりながら，どこか薄っぺらく，何を問題にしているのかわからない感じを受けた．作品もJulian Rosefeldtによる「Manifesto...

ICCで開催されている「 オープン・スペース 2016　メディア・コンシャス 」に出品されている谷口暁彦《 私のようなもの／見ることについて 》には，この作品の制作者である谷口暁彦を3Dスキャンしてつくられたアバターが2人存在している．ひとりは自律したアバターであり，もうひとりのアバターは体験者が操作できるようになっている．ふたつの画面が投影されていて，ひとつは自律型アバターからの視点で，もうひとつは操作型アバターからの視点である． どちらも過去のある日に撮影・スキャンされた谷口暁彦であって，見た目はどこも異なるところがない．自律型アバターは過去のある日に谷口暁彦が操作した記録を再生するものである．操作型アバターはその都度，体験者が動かす．体験者がいなければ，あるいは操作をしなければ，操作型アバターは動くことがない． アバターはどこまで過去か？ 操作型アバターを動かして，自律型アバターにぶつけると，衝突が起こらずにすり抜けてしまう．すり抜ける直前の状態にすると，自律型アバターの谷口の顔の大半がなくなってしまう．かつてあった谷口の顔は，衝突判定のプログラムのなかで見えなくなってしまう．操作型アバターと自律型アバターとをピッタリと重ねるようにすると，自律型アバターのなかが空洞になっていることに気づく．3Dスキャンはある日の谷口暁彦の表面のみをスキャンしているのであって，そのなかまではデータ化していない．そのなかを埋めることはできるであろうが，モデルのデータを軽くするために空洞になっているのだろう．とにかく，谷口暁彦のかたちをした自律型アバターは空洞を抱えている．でも，その空洞は外からは見えない．だとすると，下を向くと足が見える操作型アバターもまた空洞を抱えているのであろう．しかし，空洞を抱えていてもいなくても，そんなことは関係ないと言うべきなのだろう．自律型・操作型ともに見た目は谷口暁彦なのだから．単に3Dスキャンは表面しかスキャンしないということで，ある日の谷口の表面のみが記録されているだけにすぎないのだから．けれど，その表面を表から見るのと裏か見るとで感覚が異なるならば，表面の裏は表面の表とはまた別の意味を示しているのではないだろうか．撮影された時間にコンピュータの演算時間が足されて生まれたアバター...

15日は東京・神保町の SOBO Gallery に 渡邉朋也 の「科学と学習」展を見に行った． 3階にあるギャラリーに階段を登っていくと，クレヨンで描かれたようなドローイングが壁一面に展示されているのが見えた．近づいて見てみると，ドローイングはドラえもんやディズニーのキャラクターの塗り絵の上にされていた．ドローイングの反対側の壁には，同じように折られた5枚のレシートとその折りを指示する折図（＝折り紙の設計図）とを一組にしたものが，３つ展示されていた．さらに，床にはカップラーメンの空き容器，食べたものの包装がゴミとしてまとめて入られたコンビニの袋，コンビニに売っている焼きそばか何かの空き容器の３つが薄い金属製の台座に置かれていた．これら３つのモノに共通してあるのが食べたときに使われた割り箸であり，割り箸の片割れは3Dプリントされたものに置き換わっている． レシートと3Dプリントされた箸は，渡邉が参加したグループ展「マテリアライジングⅡ・Ⅲ」や「みえないものとの対話」で見たことがあった作品であった．はじめて見た塗り絵の上にドローイングを行った作品には，レシートと箸の作品とは異なる感じを受けて，見ているときに，それが何を意味しているのかがわからずにモヤモヤした．渡邉はレシートの作品を《ツナとマヨネーズ》というタイトルで出品したマテリアライジングⅡ展のときに「情報と物質と私」というタイトルのエッセイを書いている．しかし，渡邉はこれまでの割り箸やレシートの作品で「情報」と「物質」との関係を処理していく過程に「私」が出てくることを極力抑えていたのではないだろうか．割り箸の3Dプリントであり，折図に基づいて折られたレシートにおいて，「私」は「物質」を計測して「情報」にし，その「情報」を具現化して「物質」をつくる処理装置に徹していた．けれど，塗り絵の作品においては「私」が「情報」と「物質」とのあいだに入り込んできている．その「私」が，作品を見ている私にモヤモヤを引き起こしたのではないだろうか． レシートの作品と割り箸の片割れを3Dプリントした作品とは構造が似ていると考えられる．割り箸の作品の値段はその割り箸で食べたものの値段なので，作品価格のつけ方はレシートとは少し異なるけれど，作品自体のつくられかたは似ている．割り箸が割られる，レシートが...

撮影：永田康祐 出張報告書_12/18-20（別紙）は，東京・八丁堀の milkyeast で開催された展覧会「無条件修復 第III期」に展示されていた永田康祐の作品を考察したものである．永田の作品は３つあり，それぞれ《裂かれた紙の写真》《4つのオブジェクトによるコンポジション》《石の上に木を落とす／木の上に石を落とす》というタイトルであった． 《裂かれた紙の写真》は，紙の中心あたりで下から中ほどまで裂かれた方眼紙を撮影した画像をプリントされた紙も裂かれた方眼紙と重なるように裂かれている作品である．撮影された方眼紙も裂かれていて，その支持体となる紙も裂かれている．展覧会のタイトルである《無条件修復》から考えると，支持体の紙を修復すれば，撮影された方眼紙も修復されるように思ってしまうが，そうはならない．支持体の紙を完璧に修復すればするほど，方眼紙の裂け目が鮮明に見えてくるだろう．当たり前だが，支持体の紙が保持しているのは「裂かれた紙」だからである．支持体の紙が裂かれているから，物質としての裂け目がイメージとして保持されている方眼紙の裂け目を「修復」していると言うのは言い過ぎかもしれないけれど，それを見えにくくしていることは確かである． 撮影：永田康祐 さらに《裂かれた紙の写真》で興味深いのは，支持体の紙がクリップで挟まれて，そのクリップが釘で留められた状態で展示されていることである．物体としての紙がクリップに挟まれているのに対して，紙にプリントされた方眼紙は釘で直接壁に打ち付けられた状態を撮影されている．方眼紙の支持体となっている紙には余白があって，そこに釘を打ち付けて，展示することもできそうではあるが，永田は紙をクリップで留めて作品を展示する．クリップで挟まれる紙という現象は，紙には表と裏があることを示し，支持体の紙をイメージの方眼紙から引き離し，それがモノであるという当たり前のことを強調する． 《裂かれた紙の写真》ではイメージの方眼紙と支持体のプリント用紙に物質的なちがいはある．しかし，それらは「紙」という言葉で括られる認識において，同一の物性を見ている人に与える．それゆえに，「紙」という物性で２種類の紙は重なりあって，方眼紙とプリント用紙の物質的なちがいは前面にはでてこない．対して，《4つのオブジェクトによるコンポジショ...

福岡県福岡市の三菱地所アルティアムで開催されている「 みえないものとの対話 」展を見た．「みえないものとの対話」展は，1980年代生まれの久門剛史，ラファエル・ローゼンダール，谷口暁彦，渡邉朋也によるグループ展である． 展示は 久門剛史 の《 after that. 》（2013年）からはじまる．細長い通路のような空間にミラーボールのようなモノに光があたり，壁や床に無数の反射が映し出されている．「ミラーボール」に近づいてみるとそれは無数の時計を組み合わせてつくられていた．一目見たときに「きれいだ」と感じた作品であった． 通路を抜けた空間には ラファエル・ローゼンダール の《 looking at something.com 》（2013年）が展示されていた．この作品はタイトルからもわかるようにウェブサイトであるから，ChromeやSafariなどのブラウザによって誰もがいつでもどこでも自由に見られるようになっている．その作品が今回はインスタレーションバージョンで展開されている．壁面にプロジェクションされた３つの画面に《looking at something.com》が映し出され，トラックパッドでカーソルを動かすと，画面上の天気が晴れから雨，そして雷雨と変化していく．鑑賞者はコンピュータの「窓」から自身の行為に即応する「天気」を見ることになるが，タイトルの《looking at something.com》は，そこで見ているもの「何か」としか言っていない．そこで見ているものは自然なものでもなく，人工的なものでもなく，単に「何か」なのである． ［《looking at something.com》を考察した記事→ そこに見えているのは「雷雨」か，それとも「何か」か？ ］ 次の部屋には， 谷口暁彦 によるiPadやiPod touchを組み合わせた連作《 思い過ごすものたち 》（2013年）が置かれていた．サーキュレーターの風に揺れている天井から吊り下げられたiPadのディスプレイには「風」に揺れるティッシュペーパーの3DCGが映し出されていたり，iPadの画面に水が流れることでメモに文字が入力されていたり，2台のiPod touchがビデオ通話アプリFaceTimeでつながれていたりする．私はこの作品を過去に何度か見ている．今回興味深かったのは...